Lo mejor del año (de momento)

A falta de ver la gran mayoría de mejores pelis del 2009 que, paradójicamente, se estrenarán en España en 2010, voy a nombrar aquellas que me han gustado más.

Sin contar aquellas películas de 2008 que se estrenaron aquí en 2009, véase "Gran Torino", "Slumdog Millionaire" o "El curioso caso de Benjamin Button" (las 3 mejores), éstas serían las 10 películas que más me han gustado hechas en 2009:

10. "500 days of summer" (500 días juntos) [USA] Por su frescura y originalidad. Siempre hay que meter una película del rollo "Juno".

9. "Distrito 9" [Nueva Zelanda] Por su efectividad con pocos recursos.

8. "Away we go" (Un lugar donde quedarse) [USA] Por su sencillez y agradable aire de roadtrip.

7. "Celda 211" [España] Por lo que engancha nada más empezar y por un gran Luis Tosar.

6. "Watchmen" [USA] Porque todavía me dura lo que me gustó el cómic y porque Zack Snyder es un campeón.

5. "Mary & Max" [Australia] Por una animación diferente, muy original, emotiva y, sobretodo, divertida.

4. "Malditos Bastardos" [USA] Por esas escenas largas, esos diálogos Tarantino en Europa y por un gran Christoph Waltz.

3. "Donde viven los monstruos" [USA] Porque me encanta Spike Jonze, por adaptar de una manera tan original un cuento infantil de apenas 40 páginas llenándolo de ternura y diversión.

2. "Up" [USA] Porque estos de la Pixar se superan en cada peli que hacen, el año que viene volverán a tener un título entre los mejores seguro. ¿Quién ha visto Up y no le ha gustado?

1. "Mr. Nobody" [Bélgica] No pensé que acabaría poniéndola la primera. Insisito que aun me quedan unas cuantas por ver pero esta peli de Jaco Van Dormael que Jose y un servidor tuvieron la suerte de ver en Sitges me encantó. Por el guión (original y dinámico), el montaje, los efectos visuales y el mensaje. Puede que sea pretenciosa pero de momento aun me dura la buena sensación con la que salí del cine.

Este año ha dejado películas muy taquilleras pero que a mí personalmente no me han gustado como: "Enemigos Públicos", "Terminator Salvation", "Transformers 2", "Ángeles y demonios", "2012", "Anticristo" o "Star Trek".

Y otros títulos que me han gustado pero que no las pondría en mis prefes del año como: "Los abrazos rotos", "Moon", "Hazme reir", "Ciudad de vida y muerte", "Si la cosa funciona" o "Ponyo en el acantilado".

En fin, cuando vea la gran retaíla de cintas que se tienen que estrenar estos días haré una lista definitiva. Tengo muchas ganas de ver "El imaginario del Dr. Parnassus", "Sherlock Holmes", "Up in the air", "Nine", "Invictus", "Brothers", "La cinta blanca", "Precious", "Un tipo serio" y sobretodo "Avatar". Veremos.

'Avatar' empieza a hacer caja

Lunes por la mañana. Después del estreno del año, "Avatar", uno no puede evitar hacerse la gran pregunta: ¿CUÁNTO? Una película con muchas incógnitas, espectación y sobretodo publicidad viral. Entre ella, el rumor (de hecho los responsables tampoco lo han publicado oficialmente) de que no se sabe el presupuesto final. Algunos dicen 200, otros 230. Los más atrevidos se lanzan a especular con la desorbitada cifra de 500 millones de dólares. Supongo que no debe ser fácil ponerle precio porque Cameron ha trabajado durante años en la maquinaria y tecnología que ha utilizado para rodar, por lo que ese gasto no debería ser explícitamente de la producción de "Avatar". Sin embargo, claro está, la pasta que ha barajado es tanta que tampoco se puede excluir del presupuesto final. Entonces, ¿qué? Pues desinformación, claro.

A lo que sí tenemos acceso de manera oficial es a las recaudaciones. En solo 3 días ha alcanzado los 73 millones de dólares en tierras yankis. Parece mucho (y lo es) pero esa cifra la situa en el 6º estreno más taquillero en su primer fin de semana del año, superado por "Luna nueva" (142 m.), "Transformers 2" (108), "Wolverine" (85), "Harry Potter 6" (77) y "Star Trek" (75). A favor de "Avatar" diré que se ha proyectado en 3.400 salas, mientras que las 5 películas citadas anteriormente superaban casi todas las 4.000 salas.

Las cifras a nivel mundial apuntan a una recaudación de unos 160 millones, aunque no me fio demasiado hasta que no pase un tiempo y contrasten con los números oficiales de cada país. De todas maneras, y orientativamente, en tan solo 3 días lo último de James Cameron se ha metido en los bolsillos algo más de 230 millones de dólares, que se dice pronto.

Aun le queda mucho por ganar, de eso estoy seguro, aunque es muy probable que a lo mejor no supere a los transformers, al mago Potter o a los vampiros niñatos en recaudación total. Veremos.

Vídeo de catástrofes

Curioso vídeo que recopila escenas de películas cuyo nexo común es la destrucción de la ciudad de Nueva York.

Llega "AVATAR"...

Ya está aquí. Ya ha llegado a los cines lo más esperado de los últimos tiempos...

EL CINE DE CAMERON CROWE

Recientemente he repasado toda la filmografía del director estadounidense Cameron Crowe, un tipo de lo más peculiar. Me gustaría escribir sobre alguna pincelada de su vida así como comentar por encima sus películas.

Seguro que la mayoría de vosotros ha visto "Jerry Maguire", esa película protagonizada por Tom Cruise que se hizo famosa por el "show me the money" de Cuba Gooding Jr. Uno de los mejores ejemplos de cómo hacer cine romántico potencialmente femenino y conseguir a su vez un sorprendente y agradecido público masculino.

O quizá suene el título "Vanilla Sky", el remake que hizo USA del "Abre los ojos" de Amenábar. Pues bien, el director de ambas cintas fue, efectivamente, el Sr. Cameron Crowe.

Empecemos por el principio. Crowe es un californiano nacido en 1957 (52 años), actualmente en una franja de edad muy prolífica en la media de Hollywood. Pero Crowe es atípico en cuanto a estadísticas. Con 13 años ya colaboraba en diversas revistas musicales, se graduó en la Universidad de San Diego con solo 15 años y pasó a trabajar de freelance para la revista Rolling Stone, entrevistando a la creme de la creme por aquel entonces (Clapton, Bowie, Dylan, Led Zeppelin). En aquella época se fue de gira con The Allman Brothers, periodo que le sirvió para escribir y dirigir unos cuantos años más tarde "Casi famosos" (2000). Con 19 decide que quiere escribir un libro sobre las idas y venidas de un puñado de adolescentes, con lo que se inscribe en un instituto y empieza a tomar nota de lo que ve. Su novela se publica en 1981 y al año siguiente le compran los derechos para que una tal Amy Heckerling diriga la película, titulada en español "Aquel excitante curso". En ella vemos a unos jovencísimos Sean Penn (con un look de lo más estrafalario, por cierto), Jennifer Jason Leigh o Phoebe Cates (la chica de Gremlins 1 y 2, una chica de la que estoy seguro me hubiera enamorado yo mismo en mi época de colegio).

La primera oportunidad para dirigir su propia película le llega en 1989, con 32 años. Su debut se titula "Un gran amor" y, particularmente, es todavía una de sus mejores películas. En ella vemos un jovencito John Cusack interpretando un papel de joven confuso, despreocupado y de clase media-baja que se enamora de una futura brillante universitaria de clase media-alta. En esta primera película aprendemos varias constantes que se repetirán en las demás cintas: papel protagonista de la música (Crowe es un gran amante de la música pop de su tiempo, es decir, que al tío le encanta el rock, el grunge, el folk...), la ciudade de Seattle le sirve de telón de fondo para su debut y su segunda película, las relaciones de los jóvenes (interesados en el sexo, la amistad, pero sobretodo el amor).

Su segunda película, "Solteros" (1992) vendría a ser una evolución natural de "Un gran amor", con personajes algo más creciditos pero todavía con muchas inquietudes. El amor y las relaciones sociales vuelven a ser los puntos de partida y final de la cinta. Esta vez, Cusack es substituido en el papel principal por Matt Dillon, aunque en esta ocasión el protagonismo es más coral y repartido. Seattle y su música grunge de la época (Nirvana, Pearl Jam) impregna por completo todo el metraje.

Crowe da un salto de madurez con "Jerry Maguire" (1996). Es la primera vez que trabaja con un actor de tanto renombre como Tom Cruise y cuenta, en el papel femenino, con un valor en alza: Renée Zellweger. A pesar de que la historia tiene un tufo a romanticismo barato, típico y convencional, Crowe sorprende con un guión ágil, divertido y dinámico que conjuga muy bien y sin darte cuenta los aspectos románticos y deportivos. Por esta razón, dos de los mejores momentos de la película se reparten en estas dos categorías: la escena en la que Cruise va a casa de la chica y, delante de sus amigas, le dice que la quiere a lo que ella le responde algo así como: "me tenías con el 'hola'". Por otra parte, la escena antes comentada de Gooding Jr. alentando a Cruise el "show me the money".

En el 2000 Crowe dirige probablemente la mejor película hasta el momento. "Casi famosos" lo tiene casi todo: mucha y buena música, chicos interesantes, chicas guapas, una bonita historia de amor y ese aire de road trip que tanto gusta. Se nota que Crowe escribe y dirige su propia experiencia, por lo que resulta más fácil a la hora de expresar sentimientos. El vestuario y el decorado es excelente y no recuerdo una película mejor de Kate Hudson, genial en su papel de Penny Lane. Pero no fue la parte más visual sino el guión lo que recibió más premios, entre ellos el Oscar a Mejor Guión Original.

Un año después Crowe adapta el guión y dirige "Vanilla Sky", el remake yankee de "Abre los ojos". Vuelve a contar con Cruise como protagonista, probablemente gracias al buen feeling en "Jerry Maguire". El mismo Cruise es el productor, quien se encarga de llevar la película de Amenábar a las pantallas americanas (eso ya lo tienen los americanos, no estrenan películas extranjeras sinó que las adaptan). De todas maneras, obviamente la película no tiene ni punto de comparación con la original, perdiendo buena parte de esa aura de misterio y oscuridad que envuelve la cinta de Amenábar.

Finalmente, en 2005 Crowe escribe y dirige "Elizabethtown", una comedia romántica protagonizada por Orlando Bloom y Kirsten Dunst. He tardado mucho en verla porque tenía prejuicios ante esta película: no me gusta Bloom, lo veo un guaperas más, no me apetecía ver una película romanticona de ese estilo. Pero al verla, reconozco que me ha gustado más de lo que esperaba (no era muy difícil). Corroboro que Bloom es una pésima elección y, de hecho, lo hace fatal (me sorprende que el mismo Crowe afirmara que pensó especialmente en Bloom a la hora de escribir el personaje). Dunst, sin estar brillante, lo hace mucho mejor que él, al menos sabe lo que tiene qué hacer. Para este tipo de películas hace falta conseguir la química adecuada entre los actores y, sobretodo, tener muy claro quiénes quieres que sean. Bloom es un guapito de cara, pero quizá hubiera sido mejor poner un Cusack antiguo. Si alguien ha visto "500 días juntos", ESA es la pareja que hubiera ido bien en esta película. De nuevo, Crowe vuelve a echar mano de sus propias vivencias para escribir el guión de "Elizabethtown". En este caso, la película se basa en los sentimientos que experimentó el director tras la inesperada muerte de su padre en 1989.

Lo próximo que ha anunciado Crowe será un documental de Pearl Jam, una de sus bandas fetiche, lo cual me encanta la idea porque soy un fan de la banda de Seattle. Como anticipo, ha dirigido el videoclip del primer single del disco "Backspacer", lo último de Pearl Jam. La canción se titula "The fixer".

Veamos como ha andado Crowe por la taquilla (millones de dólares) (primero el presupuesto y después la recaudación en todo el mundo):

1989: "Say anything" NS - 21 m.

1992: "Singles" NS - 18 m.

1996: "Jerry Maguire" 50 m. - 273 m.

2000: "Almost famous" 60 m. - 47 m.

2001: "Vanilla sky" 68 m. - 203 m.

2005: "Elizabethtown" 45 m. - 52 m.

Sin duda, la mejor marca es la de "Jerry Maguire", donde se consagró como director. Paradójicamente "Almost famous", la que se podría considerar su mejor película, fue un fracaso de taquilla.

¿Alguien ha visto alguna de sus películas?

"Lluvia de albóndigas", una grata y divertida sorpresa

Hace muchos meses, cuando vi leí el argumento de "Lluvia de albóndigas" pensé: malditos yankis, ya no saben qué más inventar. También pensé que podíamos encontrarnos ante aquel temido momento en el que la industria se acaba de volcar por completo a los productos inocuos, absurdos, ruidosos y mayoritariamente visuales. En plan: si a los niños americanos les gusta las pelis de dibujos y las hamburguesas, ¿por qué no mezclarlo absurdamente? Un tiempo más tarde, vi el tráiler y comprobé que la peli tenía estilo y algunos gags divertidos, pero el argumento seguía pareciéndome decadente. Pues bien, después de verla, he de reconocer que ME EQUIVOQUÉ POR COMPLETO.

La película me ha sorprendido por varias razones. Una es el ritmo, aunque este suele ser un valor mayoritariamente asegurado en el cine de animación. Pero es que además la película es muy divertida y graciosa, francamente tiene gags con los que no solo he sonreído como puede pasar en otras películas de corte parecido, sino que además me ha arrancado más de una carcajada. Se podría decir que el humor que tiene no es estrictamente infantil sino que muchas escenas cuentan con la connivencia del espectador más adulto, no porque se trate de giros intelectuales ni toques complejos, sino por un estilo de humor absurdo que todavía suele ir dirigido al público adulto (las películas de Leslie Nielsen le hacen más gracia al público adulto que al infantil).

Por último, se vislumbra un ligera intención de crítica al sistema alimentario americano (comida rápida, problemas alimenticios, etc.), incluso a su propio sistema económico (grandes corporaciones V.S. pequeñas empresas familiares), social (los impulsos ambiciosos, avariciosos y egoistas de la gente) y político (uno de los personajes principales de la película es el alcalde de la isla en la que sucede todo).

En definitiva, una cinta totalmente recomendable en primer lugar para pasar una horita y veinte de diversión y entretenimiento con bastante gusto. En mi opinión, uno de los mejores títulos de animación de 2009 junto con "Mary & Max", "Up" y "Coraline".

Blog de cines abandonados

No hay nada más deprimente para un nostálgico del séptimo arte que un cine abandonado. Personalmente, esa visión melancólica de un pasado mejor me queda un poco lejos. Yo crecí con con unos cines de barrio que ya estaban en pleno proceso de evolución hacia el multisalas.

El cine Iluro tenía prestigio y era, por aquel entonces, el más respetado de toda Mataró. Con su hall enorme repleto de sofás antiguos como si fuera un hotel de lujo, te permitía transportarte a otra época. Los cines Núria tenían 3 salas y eran un ejemplo de modernidad y orgullo tecnológico. Los Cinemes de Mataró llegaron sin aportar absolutamente nada al entorno cinematográfico, ni siquiera se encabían en los complejos comerciales actuales. Carecían totalmente de encanto y sus 4 salas eran demasiado pequeñas. Duraron poco y se transformaron en una sucursal más de Cines Oscar, aunque también acabaron cerrando por motivos obvios.

El único cine al que yo acudí y que realmente gozaba de un aura especial de barrio fue el Foment, que actualmente sigue funcionando gracias supongo al esfuerzo del consistorio. Además de cine, ha sido un centro de encuentro cultural, un lugar donde impartir clases y cursos desde idiomas, cocina o baile. Todavía se llevan a cabo pases de películas que, afortunadamente, no suelen llenar las carteleras de cines como Cinesa o Yelmo. Es un reducto del cine no comercial que además goza de un enclave inmejorable en el centro de la ciudad.

Episodios melancólicos como en "Cinema Paradiso" o en "Última Sesión", la película del director mataronense Francesc Paez, nunca los he vivido porque para mí el cine siempre ha sido un objeto de lujuria cultural, un frenesí de emociones y una búsqueda constante de sensaciones. Afortunadamente, o no, siempre he desligado este significado de un lugar concreto. Probablemente he disfrutado más y, sin duda, he devorado más cantidad de películas, en mi casa, mi habitación, que en cualquier sala de cine. Por lo tanto, la destrucción del cine de barrio como se entendía hace unos años nunca me ha tocado muy de cerca, aunque respeto la melancolía que suscita y comparto cierta melancolía pasajera.

En el blog Cines Olvidados, su autor se encomienda en la misión de acercar parte de aquella arquitectura, ahora arqueología, que poblaba las calles de cines y que, actualmente, se encuentra en estado de descomposición. Sin duda, es un ejemplo de decadencia total de la cultura porque, si bien no comparto la melancolía al 100 por 100 por motivos de edad y uso del cine, entiendo que aquellos espacios donde se proyectaban películas forman parte del ideario colectivo de varias generaciones, asociando el ejercicio de ir al cine con un ejercicio más social, lúdico y ocioso de lo que es hoy en día, con estas multisalas situadas en centros comerciales sin personalidad y totalmente alejados de los centros culturales, sociales y de ocio de las ciudades.

Lo que más impresiona del blog son las fotografías. A ver si reconocéis alguno.

"Planet 51" entretiene pero no mata

No quiero desmerecer la película porque hay que saber valorar lo que se ha hecho en nuestro país con especial atención, no por una razón patriota y nacionalista rancia sino porque se conoce la poca industria y tradición de cine de animación, no solo en España, sino en Europa en general.

En un mundo donde la taquilla de animación la copan Pixar (Disney) y DreamWorks, con alguna excepción de la Fox, es importante fijarse en esas producciones ajenas al dominio aplastante de las grandes productoras de Hollywood. En concreto, "Planet 51" está animada por Ilion Animation Studios, un estudio de animación español afincado en Alcobendas, Madrid. La película cuenta con el apoyo de la productora HandMade Films, por lo que representa que se trata de una coproducción entre España y Reino Unido. Ha tenido un presupuesto de 60 millones de dólares, por lo que representa la mayor producción española de la historia hasta la fecha. Para hacernos una idea, "Shrek 2", la cinta de animación más taquillera de la historia con casi 1.000 millones de dólares recaudados alrededor del mundo, contó en su momento con unos 150 millones de presupuesto. "Buscando a Nemo", la segunda película más taquillera costó 94 millones y recaudó más de 800. Finalmente, la tercera del podio es "El rey león", que en 1994 costó 45 milloncejos, recaudando con el tiempo casi 800.

Mirando estas cifras, podemos establecer que la apuesta por "Planet 51" es muy ambiciosa. 60 millones de dólares hoy en día es un prespuesto como para tener ambición, y más si el producto viene de fuera. En España, al menos, la publicidad está siendo un éxito. Los muñequitos verdes aparecen hasta en la sopa, en mil y un anuncios y en carteles por la calle. Además se vende como LA GRAN ESPERANZA ESPAÑOLA y hay que reconocer que esos reclamos patrios siempre convencen al público.


Hablando ya estrictamente de la película, me gustaría decir que ante todo, "Planet 51" entretiene y está a la altura del gran cine de animación. Quizá de lo que más flojea, precisamente, es en lo esencial para convertirte en una lanzadera perfecta: originalidad. Si bien el argumento es muy imaginativo, la puesta en escena de éste no lo es tanto. La peli está trillada de referencias humorísticas al cine de ciencia-ficción de los años 80 (Regreso al Futuro, Alien, Star Wars, Star Trek...). Estos elementos no hacen sino arrancarte alguna que otra sonrisa, aunque a la larga se busca algún rasgo de peculiaridad original, evidenciando una falta de recursos bastante clara. Incluso hay una clara referencia visual a uno de los últimos éxitos de Disney, "Wall-E".

Está claro que "Planet 51" representa un puñetazo sobre una mesa ampliamente controlada por Pixar-DreamWorks. La película grita a los cuatro vientos: OJO, YA ESTAMOS AQUÍ Y SABEMOS HACER LO QUE VOSOTROS HACÉIS. Pero no se ha gritado todavía algo como HEMOS HECHO ALGO TOTALMENTE NUEVO Y ORIGINAL.

Tiempo al tiempo.

De la tinta al celuloide

La competencia a nivel comercial del cine español contra el cine extranjero es una guerra que se lleva librando toda la vida en las salas de cine. Pocas batallas ha ganado el cine español, todas ellas de la mano de Almodóvares y Torrentes. Pero como el Real Madrid de hace unos años, un equipo formado por Zidanes y Pavones no marca la diferencia para ganar títulos. Se necesita algo más. ¿Ideas?

Tal vez haya falta de ideas a nivel comercial dentro de nuestra Academia. Hace unos meses se puso al frente de la Academia de Cine Español el director, guionista y productor Álex de la Iglesia, un tipo imaginativo y, en ocasiones, transgresor. Autor de películas como "El día de la bestia" o "Muertos de risa", hace unos años pareció entender lo que había que hacer para atraer al público a las salas de cine para ver un producto castizo con su última obra "Los crímenes de Oxford". Con algo más de presupuesto y estilo, de la Iglesia adaptó una novela con el suficiente misterio para enganchar al espectador y ofreció su papel protagonista a Elijah Wood, nada menos que Frodo Bolson en "El señor de los anillos", compartiendo cartel con John Hurt y Eleonor Watling. La fórmula parece que surtió efecto y colocó la película en la 15ª posición de las películas más taquilleras de 2008, aunque la primera de producción española. "Los crímenes de Oxford" recaudó algo más de 8 millones de euros, superando los poco más de 7 millones recaudados por "Mortadelo y Filemón", "Vicky Cristina Barcelona" y los 6 de "Che: el argentino" (estas dos últimas dudosamente se les ha atribuido la producción española). Como se ve, la guerra es tan difícil de ganar que desde hace mucho tiempo ya se cree que es mejor ganar algunas batallas clave que permitan subsistir a la pequeña y modesta industria española del cine.

Esta es la lista completa de las primeras 15 películas más taquilleras en España durante 2008:


Se puede apreciar 8 de ellas basadas íntegramente en un guión escrito para cine, de las cuales hay 3 de animación y una infantil ("High School Musical"). Hay una basada en comic ("Batman") y 4 basadas en novelas ("El niño con el pijama de rayas", "Crepúsculo", "Crónicas de Narnia" y "007"), sin contar la mencionada "Crímenes de Oxford".

Se puede extraer de estos datos que hay un equilibrio entre las producciones creadas para cine con un objetivo recaudador y de puro entretenimiento, con guiones seguramente bastante planos y diálogos poco curtidos; un surtido de cine de animación que siempre se sitúa muy alto en la taquilla y, finalmente, aquellos productos basados en guiones ya escritos, muy probablemente novelas de éxito. Los americanos son especialistas en llevar a la gran pantalla sus propios libros que funionan en las librerías. El último ejemplo más paradigmático es la saga "Crepúsculo", que con un presupuesto de 37 millones de dólares para la primera entrega y unos 50 para la segunda, ya ha recaudado entre las dos más de 800 millones de dólares en todo el mundo. Porque se trata de una saga novelística de gran éxito alrededor del mundo, no solo en los Estados Unidos. Otros ejemplos claros de los últimos años son las adaptaciones de los diferentes Harry Potter, que ya han recaudado más de 1.000 millones de dólares en todo el mundo, y las del mundo de Narnia.

Esta fórmula es sencilla, se trata de adaptar una novela ya hecha y que todavía tiene tirón de ventas, para llevarla a la gran pantalla junto a una buena campaña publicitaria. Si bien es cierto que el aparato publicitario de Hollywood es monstruosamente superior a cualquier otro, el supuesto éxito de la novela que precede a la película debería ser suficiente para garantizar una buena acogida en los cines. Esto es lo que deben haber pensado en Suecia con el gran fenómeno de masas "Millenium". La industria de cine sueco no ha tardado en hacerse con los derechos de las novelas del tito Stieg Larsson para llevarlas al cine, con bastante gusto, por cierto. No han hecho adaptaciones libres con restricciones morales porque, a la hora de la verdad, lo que la gente quiere ver es lo mismo que ha leído antes.

En España parece que no nos hemos enterado todavía de esta fórmula mágica NOVELA DE ÉXITO=PELÍCULA TAQUILLERA. He nombrado las películas españolas más taquilleras de 2008, pero veamos las de años anteriores:

El orfanato (2007): 24 millones de €
REC (2007): 7,7
Las trece rosas (2007): 4,3
Alatriste (2006): 16,5
Volver (2006): 10
El laberinto del fauno (2006): 7
Los Borgia (2006): 6,5
Los 2 lados de la cama (2006): 4,4
Torrente 3 (2005): 18
Princesas (2005): 6
El penalti más largo del mundo (2005): 5
Mar adentro (2004): 19
Isi & Disi (2004): 7,3
El lobo (2004): 7
La mala educación (2004): 6
Crimen ferpecto (2004): 4,2
Mortadelo y Filemón (2003): 23
Días de futbol (2003): 11,6
Carmen (2003): 6,2
El oro de Moscú (2003): 5,8
El otro lado de la cama (2002): 12
Los lunes al sol (2002): 7,5
Hable con ella (2002): 5,2


De todas estas películas, tan solo 4 están basadas en una obra previa. De éstas, únicamente "Alatriste" se basa en un best-seller, en su caso escrito por Arturo Pérez Reverte. Aunque ha costado años llevar a la gran pantalla las aventuras del capitán Alatriste, una colección que comenzó en 1996.


El cine de autor y el director-guionista es siempre bienvenido. De hecho, a mi parecer aglutina ambas cualidades que necesita un creador puro, aquel que realiza un ejercicio de arte e inscribe su producto no solo en la industria sino en la cultura. No por ello, el director que no escribe el guión que dirije es menos artista ni el resultado peor. De hecho, en ocasiones hace falta reunir las mejores piezas para crear un producto que sea competitivo a nivel de ventas. Un buen guión cuyo éxito le preceda como podría ser una novela exitosa, un buen director que sepa trasladar el dinamismo y la fidelidad de las páginas a la pantalla y un buen guionista que adapte la historia. Los actores, en realidad, representan el elemento menos importante si los tres anteriores se equilibran correctamente. Incluso se puede optar por jóvenes apuestas de futuro.

La industria del cine español debería fijarse en aquellos autores que, hace 2 o 3 años, batieron récords de ventas con sus respectivas obras literarias. Tales como Matilde Asensi (El último catón), Carlos Ruiz Zafón (La sombra del viento), Julia Navarro (La Hermandad de la sábana blanca), Javier Sierra (La cena secreta) o Ildefonso Falcones (La catedral del mar). La mayoría de estas novelas tienen en común un argumento cargado de misterio e historia que puede recordar a la obra de Dan Brown (El código Da Vinci) o Ken Follet (Los pilares de la tierra). Si bien es cierto que algunas de estas obras requerirían un esfuerzo extra ya que retratan la sociedad de otra época, el mejor ejemplo para trasladar a la gran pantalla y cuya adaptación no se adolecería de esta limitación sería "La sombra del viento". El libro de Zafón nos traslada a una Barcelona más o menos moderna con una historia que atraería tanto a jóvenes como a adultos. Además, la ciudad condal recibiría una atención especial y el rodaje crearía parte de la publicidad viral que después necesitaría la película para promocionarse.


En definitiva, no soy ningún gurú cuando digo que está más claro que el agua. Un libro que vende millones y millones de ejemplares en todo el mundo, escrito por un autor español, se transformaría en éxito de taquilla asegurado con bastante seguridad. Además, el producto si se hace con calidad se puede llegar a exportar al extranjero tal y como se ha hecho con la saga "Millenium". Quien sabe, a lo mejor ya se está negociando y yo sin enterarme.

"Ataque de pánico", billete a Hollywood

Federico Álvarez es un director uruguayo que hace bien poquito sorprendió a propios y a extraños con el corto "Ataque de pánico", una obra que le costó menos de 200 euros pero con una factura técnica y visual digna de los grandes. En la pieza se puede ver como cientos de robots gigantes invaden la ciudad de Montevideo, no hace falta saber nada más del corto.

Al parecer, el éxito ha sido tan abrumador que en Hollywood ya hay quien se frota las manos con el joven Álvarez. Y es que poner un buen presupuesto al servicio de tal talento puede garantizar un éxito seguro. Sam Raimi, director de la saga Spiderman entre otros éxitos, ya le ha ofrecido un cheque con 40 millones de dólares para financiar su primera película en tierras yankis. Todavía no se sabe de qué se tratará, aunque uno de los proyectos de Raimi era llevar el videojuego Warcraft a la gran pantalla. De todas maneras, creo que para tal empresa se vaciará algo más la billetera...

Os dejo con el tráiler en cuestión.

"The cat piano" y "Partly cloudy", cortos candidatos al Oscar

Pues eso, estos 2 cortos serán candidatos el próximo año en la ceremonia de los Oscar. El primero, "The cat piano", está narrado por la inconfundible voz de Nick Cave. El segundo, lleva el sello de Pixar.

The Cat Piano from PRA on Vimeo.

"Medicine for melancholy", delicioso romanticismo racial

Hace poco vi una película titulada "Medicine for melancholy" un poco de casualidad. No había encontrado demasiada información sobre la película (normalmente me documento mínimamente antes de ver una película) pero me lancé a verla, no sé bien por qué. Para mi sorpresa, fue un gran y delicioso descubrimiento.

A pesar de ser una película de 2008 y estar enmarcada en el cine de autor independiente, "In search of a midnight kiss" (Buscando un beso a medianoche) sirve de referencia para explicar la experiencia de "Medicine for melancholy". Ésta última está dirigida por el director afroamericano oriundo de Miami Barry Jenkins. Jenkis reside desde hace un tiempo en San Francisco, ciudad en la que está basada la cinta. En este caso, la localización no es un detalle instrascendente del guión, sino que toma vida en la pantalla y crea un triángulo amoroso como lo hace Nueva York en las películas de Woody Allen o Barcelona en su "Vicky Cristina Barcelona".

El film arranca con una música agradable y nos ubica en una casa desconocida. En silencio, pronto conocemos a los dos personajes protagonistas, un chico y una chica negra. Lo que viene a continuación es el relato de las siguientes 24 horas, un relato donde solo existen dos personajes y la influencia que ejerce la ciudad de San Francisco sobre ellos. Cabe destacar la importancia del tema racial, muy presente en casi todos los diálogos. Por no hablar de la bellísima fotografía, en un delicado y suave blanco y negro. Sobre este tema, Jenkins no se limita a rodar en blanco y negro por ser un romántico del cine clásico, sino que le adjudica esa tonalidad de color a su película bajo un premeditado significado (el humor de los protagonistas, de resaca durante todo el día y, sobretodo, el color de su piel). Como pista, diré que hay que estar atentos con el tema del color, porqué no siempre permanece con la misma tonalidad.

Me sabe mal decirlo abiertamente, y no por miedo a que el FBI llame a la puerta de mi casa y me detenga, pero teniendo en cuenta que esta película lo más probable es que no se estrene jamás en España o, con suerte, se pueda ver en algún festival; voy a hacer apología de la piratería y voy a aconsejaros bajarla de Internet puesto que está en calidad DVD.

En otra ocasión hablaré del género al que se podría incluir esta película, una línea matizada dentro del gran saco de las comedias románticas.

Película recomendable: "Un lugar donde quedarse"

La vida del director Sam Mendes es aun corta pero muy exitosa. No es un creador de blockbusters pero ha dirigido películas de lo más interesantes como "Camino a la perdición", "Jarhead" o "Revolutionary Road" (ésta última tengo mis reservas aunque está bastante bien). Su mayo logro, realmente, lo consiguió con su ópera prima "American Beauty", por la que recibió un Oscar al mejor director. No está mal para ser un recién llegado.

Después de varios romances con actrices como Cameron Diaz, Calista Flockhart (Ally McBeal) o Rachel Weisz (Ágora), finalmente se casó con una compatriota suya, Kate Winslet, con la que tiene un hijo. Como véis, el tipo tampoco ha perdido el tiempo en este sentido.

El 5 de junio estrenó en Estados Unidos una de esas películas enmarcadas en el nuevo cine independiente, que no lo es tanto viendo presupuestos, dirección e interpretación. "Away we go", traducida en España por "Un lugar donde quedarse", ha costado 17 millones de dólares y, de momento, solo ha recaudado 9,5 millones en USA y poco más en el resto del mundo (ya se ha estrenado en Francia y algunos países nórdicos). La producción corre a cargo de Focus Features, una productora menor aunque interesante que ha producido con éxito películas como "Brokeback Mountain", "Coraline", "Quemar después de leer" o "Lost in translation". Ya se ve por estos títulos el perfil de película que promociona la compañía.

Al grano

En cuanto al contenido, ¿qué hay que esperar? Bien, yo vi la película hace ya algún tiempo y, aunque no la acabé pensando que sería una de mis preferidas, sí creí que había pasado un buen rato viendo una historia interesante, sin demasiados recovecos ni peripecias de guión.

Se podría decir que se trata de una comedia dramática que gira entorno a una pareja de treintañeros que están esperando un hijo. Cuando a ella le queda poco para parir, los padres de él anuncian que se mudan. Esto hará que Burt y Verona decidan recorrer Estados Unidos (e incluso Canadá) en busca de un nuevo hogar donde criar a su bebé.

La premisa es fácil. No se trata de un argumento demasiado rebuscado ni esconde ningún misterio. Se trata más bien de un retrato de un chico y una chica, jóvenes, a punto de ser padres, y sus dudas y problemas que les surgen. El hecho de recorrer un país buscando un hogar donde criar el hijo es solo una excusa para que todo lo que concierne a su unión sentimental se tambalee en forma de preguntas, respuestas y epifanías varias.

La producción

Quien finalmente vea la película, podrá fijarse en el color, que cambia a medida que la pareja viaja. El diseñador de producción, Jess Gonchor, creó 5 paletas de colores, una para cada estado donde transcurre la historia. "Colorado es desolado, Arizona es todo sol, Wisconsin es universitario, Montreal es ladrillo y Miami es de tonos pastel".

Es la primera "producción verde" rodada en hollywood. Una producción ecológica implica usar energías alternativas; se recicló el 49% de los residuos, y las emisiones de carbono se redujeron de forma sustancial. Se respetaron estas reglas a pesar de rodar en tres estados (Connecticut, Arizona y Florida). Para conseguir una producción "verde" fue necesario separar todos los residuos en cinco categorías – botellas, latas, plástico, residuos orgánicos y papel –, algo nada fácil en un rodaje de esta envergadura. Se respetaron las directrices medioambientales y de ahorro de energía durante toda la producción. Todos los departamentos siguieron estas directrices, desde el de cámara (se rodó con película de tres perforaciones, que requiere un 25% menos de negativo y de productos químicos en su fabricación y revelado), pasando por el de vestuario (lavadoras y secadoras de bajo consumo, y el uso de ropa usada siempre que fuera posible), hasta el de sonido (uso de baterías recargables) y de fotografía (las fotos fijas de promoción se escogieron online en vez de revelarlas). Durante todo el rodaje, la producción redujo las emisiones de carbono mediante un programa de reciclaje. Un gran número de vehículos usaba Biodiesel 5, una mezcla conseguida a partir de grasas recicladas procedentes de restaurantes. La película ha sido la primera producción con sede en la Costa Este que ha usado Biodiesel 5 en todos los decorados, y además fue posible encontrarlo en todos los estados donde se rodó. No contentos con eso, los servicios de catering intentaron utilizar productos orgánicos y biodegradables. Por ejemplo, se utilizaron botellas SIGG de aluminio de 450 centímetros cúbicos para rellenarlas con agua filtrada del grifo, lo que impidió que unas 10.000 botellas de plástico no degradables llegaran a los basureros.

En definitiva, no será un peliculón pero sí una buena película amable, encantadora, ligera y a ratos divertida que ver cualquier tarde.

"2012", menudo desperdicio de...

... tiempo y dinero. Tiempo me refiero no al de ellos por rodarla, editarla y estrenarla, porque se lo deben haber pasado teta; sinó tiempo el nuestro, el del espectador, el MÍO, que lo he perdido viendo esta especie de basura cinematográfica bañada en oro.


Después de quedar a gusto, voy a comentar "2012" la última película del director alemán Roland Emmerich, todo un hacedor de pasta, uno de esos directores que necesitan muchos billetes para hacer sus proyectos pero que luego recuperan ese capital inicial multiplicándolo hasta el infinito.


Hablar de presupuestos y taquilla cuando se habla de Emmerich es siempre de lo más interesante. Ha dirigido 9 películas desde principios de los 90, lo que no es demasiado teniendo en cuenta que han pasado casi 20 años y que los tipos como él se prodigan bastante. Su filmografía es estrictamente fantástica y de ciencia ficción, especializado, según dicen algunos, en el cine catastrófico al estilo: vamos a morir todos ("Armaggedon" podría ser suya pero es de Michael Bay, el señor transformer). Su anterior película es "10.000 A.C.", que vino a ejemplificar el pobre nivel argumental que suele caracterizar sus películas. Porque no hay que olvidar que, al menos, tiene el mérito de escribir TODOS sus guiones, me refiero que no es un simple buen director de marionetas. "10.000" costó 105 millones y recaudó en todo el mundo unos 270 millones de dólares. Pero para Emmerich eso es pan comido. Su mejor taquillazo fue "El día de mañana" (2004), que con un presupuesto de 125 millones se embolsó mundialmente casi 550.

Aunque la madre de los taquillazos, su billete de ida a un mundo de poder y credibilidad lleno de cheques en blanco, fue sin lugar a dudas (los números hablan por sí solos) "Independence Day". Costando solo 75 millones, la peli de extraterrestres y destrucción masiva logró recaudar en todo el mundo la friolera de 817 millones de dólares, situándola en la 22ª posición de las películas más taquilleras de la historia y en la 2ª del género de Desastre, por debajo de ya imagináis cual, la panacea del cine mundial como industria: "TITANIC".

Viendo todos estos éxitos de taquilla, no es de extrañar que Emmerich pida por esa boquita. Sus deseos son órdenes, no es para menos visto que quien ponga el dinero, lo verá recuperado con creces. Las malas lenguas dicen que "2012" ha rondado los 260 millones de dólares de presupuesto. Parece una barbaridad y, efectivamente lo es, pero solo hay que ver lo que recaudó en su primer fin de semana de estreno mundial, repito, PRIMER FIN DE SEMANA, UNO, 1!!! 234 millones! prácticamente en cuestión de 3 días recupera la inversión inicial. Se avecina probablemente uno de los mayores blockbusters del año.

PERO NO ES ORO TODO LO QUE RELUCE

Evidentísimamente que no lo es. La película es extremadamente aburrida. Ni siquiera todo su CGI (Common Gateway Interface = efectos especiales) garantiza un rato de entretenimiento con el culo enganchado a la butaca. Para empezar, su metraje es excesivamente largo. Casi 2 horas y 30 minutos de estupidez, clichés y escenas que te dan la sensación de haberlas visto y revisto una y otra vez. No vale ser esnob y decir: pues a mí me ha gustado, me parece un buen argumento. Aquí no cabe ese pensamiento, sino el de: vale, he gastado 2 horas y media de mi tiempo en ver una película y ahora que la he acabado, me da la sensación de no haber entendido nada y solo veo aviones pasando por mi cabeza y ciudades inundadas. Por cierto Roland, lo de las ciudades inundadas ya lo pusiste en "El día de mañana", ¿no? Como que te repites...

La película está claramente dirigida a todos los públicos. Por lo tanto, hay cantidad de referencias al público más infantil, hasta el punto que los hijos del protagonista son también parte importante de las escenas. Eso le da un toque de lo más cursi, pedante y familiarmente insoportable. Diálogos falsos, premeditados, intencionadamente recargados...


En definitiva, si hiciera una sección de "Película en cartelera NO recomendable", sin duda la estrenaría con "2012". Lo de pasar el rato sin duda lo cumple a rajatabla, eso sí, es aburrida a más no poder.


Os dejo el tráiler para quien le interese.

"Funny People" (Hazme reír), Apatow madura

Aunque es solo la tercera película de Judd Apatow como director tras "Virgen a los 40" y "Lío embarazoso", el tío está considerado en el mundillo del humor americano como uno de los grandes. Ha sido guionista en otras películas como "Paso de ti", "Dick y Jane, ladrones de risa" o "Zohan: licencia para peinar". Además, fue el creador de series como "Undeclared" o "Freaks and Geeks", considerada de culto hoy en día por muchos de los actores que pasaron por ahí de jóvenes. Una especie de "Al salir de clase" con clase, valga la redundancia.

"Funny People" es diferente a todas esas comedias facilonas repletas de gags y líos sentimentales que comienzan mal y acaban bien. Solo el metraje te hace pensar que estás ante algo diferente: no en vano la película dura 2 horas y 30 minutos, algo inusual en una comedia. Que Adam Sandler no engañe a nadie. Quien quiera o crea que va a ver la típica comedia de Sandler va equivocado. Por el contrario, quien haya mordido el anzuelo y crea que está ante un drama renovado también está equivocado aunque, éste, se llevará una alegría.

Ciertamente, no es fácil catalogar la película. Sin duda se trata de una comedia, pero no de una comedia romántica al uso, sino de una comedia reposada, con tintes dramáticos y serios y con una estructura y unos diálogos más creíbles y menos enclichados. Sandler está bastante bien en el papel de célebre cómico al que le han diagnosticado una rara enfermedad en la sangre. Seth Rogen, un clásico en la filmografía de Apatow interpreta a un joven cómico sin éxito que, por avatares del destino, acabará siendo el ayudante de Sandler. Juntos establecerán una relación que empieza siendo profesional pero se torna en amistad.

Viendo "Funny People" y sus actores, a quienes hemos visto en numerosas ocasiones en formato cómico, no da la sensación de que les estemos viendo hacer algo totalmente diferente. Probablemente Apatow quisiera que actuaran exactamente igual que lo hacen siempre, pero con un argumento de fondo algo más trascendental y existencial. En esa mezcla reside la calidad de la película: la normalidad de un puñado de personas cuyo nexo común es el humor.

Todavía no sé cómo le costó al amigo Apatow la friolera de 70 millones de dólares financiar la película. Universal, Warner y la propia productora de Apatow se unieron para aportar el capital. Pero, ¿por qué tan caro? Imagino que el metraje (si la edición final dura 2h30min. la grabación total se debió extender mucho) y la grabación en localizaciones (casas lujosas, aeropuertos, calles de Los Angeles...) pudo encarecer el precio final. El contrato de Janusz Kaminiski, director de fotografía, no debe ser de los más baratos. Se nota que Apatow quiso dotar a su película de un aura diferente y trascendental al contratar al director de fotografía de películas como "La lista de Schindler", "Salvar al soldado Ryan", "Minority Report" o "Munich" entre otras. De todas maneras, los números no deben haber cuadrado demasiado puesto que la película solo lleva recaudado alrededor del mundo cerca de 60 millones de dólares. Esta vez, a Apatow le salvará el DVD.

En definitiva, "Funny People" no está dirigida a aquellos que busquen divertimento pueril y caduco, sino a los que quieran ver un drama diferente con humor. A los fieles de Apatow les gustará la evolución del director hacia un estado de madurez humorístico con unos detalles argumentales sospechosamente autobiográfcios.

"Transformers" y "Transformers: La venganza de los caídos", los éxitos de taquilla más aburridos del s. XX

1984. La compañía Hasbro lanza al mercado estadounidense un nuevo tipo de jueguete original de Japón llamado Transformer. Se trata de un modelo de muñeco que revoluciona la forma de jugar de los niños ya que son capaces de maniobrar y manipular los movimientos de éstos para cambiarles la forma.

23 años más tarde, ese monstruo que rastrea el mercado en busca de proyectos rentables como es Hollywood se lanza a la producción de una bomba taquillera basada en los muñecos Transformer. El director (y productor ejecutivo, a quien no se le quiere escapar nada de las manos) es Michael Bay (Armaggedon, La isla) y la productora que tiene el acierto es la Paramount. Quien no podía faltar a la fiesta es Steven Spielberg, que invierte sus milloncitos con DreamWorks; y la propia Hasbro, obviamente. Con un presupuesto de 150 millones de dólares, la película recaudó en todo el mundo 700 millones aprox.

Dos años más tarde y tirando del filón cosechado en 2007, el mismo equipo graba "Transformers 2: La venganza de los caídos", con un presupuesto de 200k y una recaudación, a día de hoy, de más de 830k, situándola en la posición 20 de las películas más taquilleras de la historia.

Estamos ante una apuesta segura. La espectación que se creó para la primera película fue inaudita (solo comparable con la espectación que está creando ahora Avatar, de James Cameron). Rumores, teasers posters semanales, teasers trailers... El resultado fue vistoso, ruidoso, visual y sonoramente apabullante. Pero, ¿fue entretenido? Para gustos, los colores. Yo creo que no.

Si repasamos las 33 películas más taquilleras de la historia, comprobaremos que sólo 7 de ellas pertenecen al siglo XX. Las 26 restantes están producidas entre el 2000 y el 2009, es decir, en tan solo 9 años. Taquillazos como las sagas de "El señor de los anillos", "Harry Potter" o "Piratas del Caribe" te llevan a mundos mágicos, diferentes, con personajes entrañables, malos malísimos o malos con los que empatizas. La saga "Spiderman" se basa en uno de los mejores cómics de siempre, "Batman" dio un giro de tuerca con la llegada de Christopher Nolan y lo hizo más humano. Finalmente, los pelotazos de animación ("Shrek 1, 2 y 3", "Buscando a Nemo", "El Rey León") son el paradigma de la comedia, el entretenimiento y la empatización. Otros títulos presumen de su condición de entretenimiento puro y duro como "Independence Day" o "Indiana Jones".

Pero "Transformers" vuelca todo un esfuerzo en conseguir una obra sin parangón en el campo de los efectos especiales y la acción pero se olvida de los personajes y de la historia. Resulta imposible empatizar con los robots, quizá porque están tan bien reproducidos que, realmente, parecen máquinas. A fin de cuentas es lo que son, pero en los muñecos o en la serie de animación, los robots tenían rasgos y expresiones faciales más reconocibles, aunque por ello les hiciera menos creíbles como máquinas. Los personajes humanos, por su parte, son bastante pobres. El chico tiene algo de gracia, de hecho, el actor Shia Labeouf es lo único que se salva de la saga. Es probable que nos encontremos ante un futuro exitazo de Hollywood, con rasgos de Michael J. Fox en "Regreso al futuro", Harrison Ford en "Indiana Jones" y quien sabe, algo de chulería a lo Bruce Willies en... en... en cualquiera de sus películas.

¿Qué decir de Megan Fox? Pues vale la pena comentar algo de ella para ver si algún curioso teclea su nombre en Google y da con mi humilde blog. Su belleza la precede, es un handicap para la chica cuando quiera ponerse a hacer cine INTERPRETATIVO de verdad. De momento, pues ya le va bien enseñar carne y llenarse los bolsillos. Sus escenas, en las 2 películas, son calcadas. La primera secuencia en la que aparece lo hace contoneando su cuerpo ante un vehículo (coche y moto). Planos cortos y lentos para que el espectador no pierda detalle alguno de sus curvas. Las siguientes escenas consisten en momentos de acción en los que Fox corre y, con ello, mueve su cuerpo y su pelo. Finalmente están las escenas románticas en las que priman los primeros planos de Fox haciendo morritos mientras da ánimo al héroe. Como véis, nada original. Me quedo con un toque humorístico sutil de los guionistas en la segunda parte. En una escena, un robot pequeño e inofensivo de los Decepticon murmura en voz alta refiriéndose a ella: "muy bonita pero no muy lista".

Para acabar, la historia. Está claro quienes son los buenos (autobots) y quienes los malos (decepticon), pero la rivalidad infinita e histórica entre Optimus Prime y Megatron no queda del todo plasmada. Las más de dos horas que dura cada película se gastan en su mayoría en metraje sin diálogo, en velocidad, disparos y explosiones. El argumento es inverosímil e incluso hay algunas escenas que serían cómicas si la película se hubiera hecho con la intención de hacer reir. El resultado consiste en un entretenimiento basado en la estupefacción que causan los demoledores efectos especiales, que invitan al espectador a no dejar de maravillarse por el aspecto visual en toda la película. Lo que nos esté contando o los personajes que hay en ella es aburrido, porque es lo de menos. Se trata de vender humo, el mejor humo.

Corto "No se preocupe"

De Eva Ungría, con Luis Tosar y Lucía Jiménez.

"Precious" huele a pelotazo... de Oscar

Dicen los expertos en la materia que "Precious", una película independiente de bajo presupuesto, dirigida por un hombre negro e interpretada exclusivamente por negros podría dar el campanazo en la siguiente edición de los Oscar.

Varias son las razones: la principal es que la película parece que está muy bien, es una cinta de esas duras, centrada en un personaje marginal que ha de superar las dificultades que le pone la vida. Además, Lee Daniels dirigió hará unos años "Monster's Ball", película por la que Halle Berry se llevó el Oscar a la mejor actriz. Finalmente, la razón de peso que le dan en el entorno Hollywood es que está producida por Tyler Perry (actor, director, guionista y productor que ha engordado los bolsillos de la productora LionsGate con sus películas) y por nada más y nada menos que Oprah Winfrey, una de las mujeres más ricas e influyentes del entorno cosmopolita de Estados Unidos. Parece ser que Oprah se ha volcado con esta película y ha puesto pasta de su bolsillo para la producción.

Pero veamos de qué va la historia. Clarence 'Precious' Jones es una adolescente negra que vive en Harlem. No sabe leer ni escribir y vive agobiada por su madre, quien la maltrata casi a diario. Precious tiene sobrepeso y está embarazada de su segundo hijo. Ante esta situación, decide apuntarse a una escuela alternativa para intentar encauzar el rumbo de su vida.

Menudo argumento más típicamente lastimoso y productor de pena, pensaréis algunos. Es cierto, pero estas historias venden en Hollywood para después llevarse premios. Además, si la película está bien hecha (dicen quien la ha visto que sí) puede ser todo un éxito, no solo de crítica sino de taquilla.

¿Qué hay detrás de "Precious"?

Empecemos por el guión, basado en la novela "Push" de Shapphire, una escritora negra declarada bisexual. El título se lo han cambiado para no confundirse con la película de acción y dudosa calidad "Push". La actriz protagonista es una chica joven llamada Gabourey Sidibe, de 26 años, nacida en Brooklyn y crecida en Harlem, quien debuta en la gran pantalla con esta película. También aparecen actuando Lenny Kravitz y una desconocida Mariah Carey (ver foto). Ya he hablado de los productores, dos personajes de gran influencia no solo en el entorno negro sino en las grandes esferas de Hollywood. Recuerdo que para los Oscar, buena parte de lo necesario para recibir estatuillas es la posición en la que te encuentres, tus contactos y amistades. Sino, ¿de qué tantos Oscar dudosos como el de mejor actriz para Reese Witherspoon en "En la cuerda floja"? Pues porque la amiga es una de las mayores productoras de la industria y está metida hasta el fondo, con todas las amistades y contactos que ello conlleva.

Quiero destacar el hecho de que va a ser la primera película escrita, adaptada, dirigida, producida e interpretada por negros que suene de verdad y con fuerza en los Oscar.

¿Qué se puede ir viendo ya?

Aquí en España no sé cuándo la estrenarán, teniendo en cuenta que en Estados Unidos se estrenó el pasado 6 de noviembre en solo 18 salas. Puede que incluso llegue el año que viene. Pero el rastro que ha dejado en taquilla USA es digno de comentar. La película lleva estrenada 6 días y ya ha recaudado casi 3 millones de dólares. Parece mucho pero en realidad no lo es, teniendo en cuenta que "This is it" de Michael Jackson recaudó en los primeros 6 días 37 millones. Difícilmente comparables, puesto que las espectativas para la peli-documental de Jacko eran grandes tras su muerte y "Precious" únicamente venía precedida del rumor y el premio del jurado en Sundance (que no es moco de pavo). Pero ojo al dato. "Precious" solo se ha proyectado en 18 salas durante esos primeros 6 días, mientras que "This is it" hizo lo propio en 3.500 salas. Solo hay que hacer cuentas: "Precious" recauda por sala unos 25.000 dólares mientras que la esperada "This is it" solo 1.700. Sorprendente. Dicen los expertos que, cuando la lleven a más salas y la publiciten más, romperá la taquilla recuperando con facilidad los 10 millones de presupuesto.

Adjunto el tráiler de la película. Ya iré comentando qué tal avanza la película por tierras yankees. A tenor de este post, en futuros días comentaré otras posibles candidatas a sonar para los Oscar. Ya solo queda 1 mes y medio para acabar el año y no quedan tantos estrenos.

Feliz VIERNES 13

Hoy es viernes 13 y, como cualquier otra viernes 13 se considera un día de mala suerte y desgracia en las culturas anglosajonas. Aquí tenemos el martes 13 y en Italia, por ejemplo, el viernes 17. Pero la cultura anglosajona ha sido la que más ha exportado su cultura alrededor del mundo, sobretodo gracias al cine y a la música. Hasta tal punto que aquí celebramos Halloween e incluso tememos a los viernes 13.

Una película que se sirvió de todo el misticismo que rodean los viernes 13 fue, precisamente, la película "Viernes 13" de Sean S. Cunningham. Estrenada en el 1980, a día de hoy es considerada pionera en el cine de asesinos psicópatas, con el señor Jason Voorhees como asesino en cuestión. Siguió el camino iniciado por "Halloween" (1978), de John Carpenter, considerada por la crítica especializada como la película que cambió el cine de terror.

La película, vista hoy, sería la típica cinta de terror adolescente donde un psicópata se va cargando a los protagonistas en ridículas escenas de persecución y machete en mano. Pero entonces, hace casi 30 años, ese cine prácticamente no existía, así que la repercusión y el efecto en el público era devastador. Imagináos las salas de cine llenas de adolescentes gritando y tirándose de los pelos.

Las características imprescindibles para este tipo de cine son: protagonistas adolescentes, chicas guapas, leyenda negra, psicópata, arma preferida del psicópata, escenas en la noche, sangre y violencia. Algún desnudo o topless nunca está de más. Pues bien, "Viernes 13" cumple a rajatabla con todas ellas.

Ahondando un poco más en la leyenda del viernes 13, decir que la aversión hacia este día en concreto se llama collafobia o friggaatriscaidecafobia. Cuentan que un viernes 13 de octubre de 1307, un grupo de caballeros templarios fue capturado y posteriormente condenado a la hoguera por parte de la Santa Inquisición, culpados de herejía, sodomía y de orinar y escupir en la cruz. Es posible que, a raíz de este episodio, la cultura popular adquiriera, con el paso del tiempo, el día 13 como día de mal augurio.

Por otra parte, según Wikipedia, el número 13 tiene varios significados desde la antigüedad, todos ellos relacionados con la mala suerte o lo demoníaco. He aquí algunas cábalas, teorías y sabiduría popular:

Por su lado el número trece desde la antigüedad fue considerado como de mal augurio ya que en la Última Cena de Jesucristo, trece fueron los comensales; la Cábala enumera a 13 espíritus malignos, al igual que las leyendas nórdicas; en el Apocalipsis, su capítulo 13 corresponde al anticristo y a la bestia. También una leyenda escandinava cuenta que, según la misma tradición, en una cena de dioses en el Valhalla, Loki, el espíritu del mal, era el 13° invitado. En el Tarot, este número hace referencia a la muerte.

Os dejo con el tráiler original de "Viernes 13" (1980), la película que dio inicio a una larga saga que ya ha producido más de 10 secuelas.

El peor momento del día

He aquí otro corto de animación, en este caso japonés, en el que asistimos al peor momento del día imaginable: aquel en el que suena el maldito despertador. Muy divertido y original.

Una Misión Imposible muy original

Filmaps, localizaciones de cine

Os recomiendo esta página web. No es nada del otro mundo y únicamente es curiosa a modo de anécdota, pero puede que tenga su utilidad para el próximo viaje que se haga.

Se trata de Filmaps, una web que utiliza el motor de Google Maps para mostrar localizaciones de películas. Tiene 2 buscadores diferentes, por película o por localización. Es tan fácil como poner tu película preferida o cualquiera que te venga a la mente y el buscador te ofrece un mapa con los sitios detallados donde se filmó parte de la película. O por contra, podemos escribir Barcelona y el buscador nos arroja un mapa con varios carteles de película que indican los títulos que fueron filmados, en su totalidad o en parte, en la capital catalana.

Quien quiera viajar a alguna ciudad y tenga curiosidad por ver qué películas se han rodado en ella y en qué lugares exactos, lo puede hacer mediante esta página.

Más cortos y no nacen (2)

Seguimos con el repaso de los cortos. ¡Gracias Internet!

JAVIER FESSER

Director heterogéneo donde los haya, Fesser ha dirigido películas de autor tan dispares como "El milagro de P. Tinto" y "Camino". Pero antes de todo esto hizo "Aquel ritmillo", un corto de 1995.

Parte 1


Parte 2



ÁLEX DE LA IGLESIA

Director, productor y guionista, De la Iglesia es el actual presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (ahí es nada, anda que no tiene trabajo). Como realizador nos ha obsequiado con perlas como "El día de la bestia" (1995), "La comunidad" (2000) o "Los crímenes de Oxford" (2007). Ojo que el tío es Licenciado en Filosofía. Su primer trabajo cinematográfico fue el corto "Mirindas asesinas" (1991), todo un clásico en el mundo del cortometraje.




BORJA COBEAGA

Borja es un realizador vasco de solo 32 años. A parte de hacer de realizador en programas de TV, acaba de dirigir la comedia "Pagafantas", la cual está bastante divertida y entretenida. Su corto "Éramos pocos" de 2005 es nominado al Oscar en 2007 y, aunque no lo gana, las sensaciones son buenas.

"555-", el teléfono de Hollywood

Seguro que la mayoría de vosotros estaréis artos de oir en películas y series americanas como se intercambian teléfonos que empiezan por 555. Esa es un práctica muy común en los Estados Unidos, que empezó en los años 60 pero se ha intensificado en los últimos 30 años.

Las compañías telefónicas llegaron a un acuerdo con los productores y guionistas para que utilizaran teléfonos falsos en sus historias, ya que muchos números coincidían con los de personas que se habían quejado recibiendo llamadas de desconocidos. Hoy en día ya no es muy habitual dar números que puedan corresponder a números reales aunque hay ejemplos. Es el caso de "Como Dios", película de 2003 en la que aparece Jim Carrey y Morgan Freeman interpretando a Dios. Pues bien, en un momento de la película se da un número que más tarde se descubrió había sido tecleado por infinidad de personas preguntando por Dios. Ese número, claro está, era propiedad de una persona normal y corriente. Finalmente, los productores cambiaron el número para las versiones en DVD y televisión de la película.

Al parecer, los números que comprenden del 555-0100 al 555-0199 están específicamente reservados para uso en la ficción. Si bien se dice que el número 555-2368 es uno de los más usados en el cine, aunque se sale de esa franja. A modo de ejemplo, ese es el teléfono de contacto de los Cazafantasmas.

Pero no todos los números empezados por 555 son falsos. El 555-1212 es uno de los contactos estándards de asistencia tanto en Estados Unidos como en Canadá.

Estos son algunos teléfonos falsos:

555-0101: número del lugar de trabajo de Buffy en la serie "Buffy Cazavampiros"

555-0123: teléfono de Dios en "Como Dios" (versión DVD)

555-0143: casa de Quagmire en "Padre de familia"

555-0154: casa de Dawson en "Dawson crece"

555-0157: casa de Tony Soprano en "Los Soprano"

Encuesta (1): ¿cuál es la mejor película del 2009?

Las encuestas siempre son un método fiable para conocer la opinión de la gente. De todas maneras, tienen un inconveniente en ocasiones muy importante: sólo se puede escoger una opción de las ofrecidas.

En el caso de esta primera encuesta, se ofrece una lista de las películas más taquilleras de lo que va de año 2009. Os pido vuestra opinión para conocer cuál creéis que ha sido la mejor o la que más os ha gustado, como queráis. También vale hacer comentarios al respecto pero, para quien no tenga tiempo o no quiera, basta con clicar en la opción preferida. Si alguien cree que falta algún título también lo puede decir y lo incluiré.

NOTA: se puede votar más de una opción, para quien no lo tenga del todo claro.

Veremos, en función de los resultados, si efectivamente taquilla y gustos caminan de la mano de los premios y el éxito de crítica.

Tras la pista de... "Slumdog Millionaire"

En un principio no era la intención, pero iniciaré con este post una nueva sección titulada TRAS LA PISTA DE... en la que intentaré abordar la producción de una película con algo más de detalle en diferentes fases (preproducción, producción, postproducción).

He escogido "Slumdog Millionaire", de Danny Boyle porque hace unos días estuve comentando la película con las amigas Eli y Ester y el amigo Alberto. Todo vino a raíz del viaje (por separado) de Eli y Ester, quienes comentaban, entre otras cosas, la fidelidad de la película con la realidad que se vive y se respira en la India. La conversación se desvió de repente a la poca decencia de los SEÑORES DE HOLLYWOOD al no tratar de colaborar en la erradicación de la miseria que sufre la India, ya que gracias a la película, se habían llenado los bolsillos de millones, y millones, y millones, y millones de dólares.

Se estima que la película ha podido llegar a recaudar en todo el mundo cerca de 380 millones de dólares, una cantidad desorbitada teniendo en cuenta que los señores de la Warner llegaron a especular con no llevar la película a las pantallas de cine y estrenarla directamente en DVD.

LÍO DE PRODUCTORAS

Pero vayamos por partes, porque ni es oro todo lo que reluce ni mierda lo que huele mal. TODO EMPIEZA con el guión escrito por el inglés Simon Beaufoy. Bueno, en realidad empieza con el libro Q & A, de 2005, la primera novela de Vikas Swarup. Beaufoy asegura que se inspiró en dicho libro para escribir la historia. En 2006, dos pequeñas productoras inglesas (Celador Films y Film4 Productions) invitan al director Danny Boyle a que se lea el guión para ver si le interesa el proyecto. Por aquel entonces, Boyle ya es un director de renombre habiendo dirigido "Trainspotting" en el 97 o "28 días después" en 2002, entre otras. En un principio no le interesa pero cuando se entera que Beaufoy ha escrito el guión, accede. ¿Por qué? Quizás porque Beaufoy es el autor del guión de "Full Monty", la película británica más rentable de la historia. Las dos productoras inglesas consideran que necesitan 15 millones para rodar la película, por lo que creen conveniente ofrecer el proyecto a una gran major americana que la cofinancie. En un principio es Fox Searchlight quien se interesa, pero finalmente es Warner Independent Pictures quien se lleva el gato al agua. Por su parte, la productora y distribuidora francesa Pathé se hace con los derechos internacionales (en EEUU los tiene Warner) de la película. En 2008, la sección Warner Independent Pictures cierra y los derechos pasan a la todopoderosa Warner Brothers, quien duda de la rentabilidad de "Slumdog" e incluso especula con sacarla directamente en DVD. Finalmente hacen un pacto con Fox Searchlight por el cual se dividen al 50% la distribución. Hago un salto en el tiempo en el contexto de las productoras hasta el 31 de marzo de 2009, fecha en la que sale el DVD en EEUU. Todos quieren su trozo de pastel, así que en esta ocasión es la 20th Century Fox quien se hace con los derechos de la producción y distribución del DVD.

En definitiva, al patito feo al final le salen novias por todos lados hasta bailar con las más populares: FOX (20th Cent. y Searchlight), Warner, Pathé, Celador Films y Film4 Productions. Por no hablar de las distribuidoras locales establecidas en cada país. En España, por ejemplo, quien ha engordado su cuenta corriente ha sido Filmax, encargada de distribuir la película en las salas de cine.

TOMA EL DINERO Y CORRE

Al final, ¿quién se lleva todo ese dinero? El mayor beneficiado de todo esto es Fox Searchlight, quien apostó por llevar la película a las pantallas. Aunque una pequeñísima parte de la taquilla fuera a parar a Boyle y a las dos primeras productoras pequeñas, la grandísima mayoría se lo lleva Fox. Pregunta moral: ¿tiene la Fox una obligación moral de devolver, de alguna manera, el favor al pueblo indio? La respuesta no es fácil y tiene muchísimos matices, aunque lo rápido sería decir NO. La realidad captada por el libro, más tarde por el guión, los actores, las cámaras y finalmente los espectadores, es decir, todo lo relacionado con la cultura desde un punto de vista creativo, dejan paso a un PRODUCTO, que se produce (valga la redundancia), se maqueta, se distribuye y se vende cual jersey de Zara, silla de Ikea o zapatilla de Nike. Nadie cuestiona si Zara, Ikea o Nike contribuyen a una mejora de los países manufactureros del tercer mundo. Sin embargo, un producto de Hollywood que denuncia esa pobreza y enseña al mundo su magnitud, recibe las críticas del público. Hollywood es una empresa, no financia cultura por amor al arte sino que se nutre de la cultura para vender sus productos. ¿Y el director o las primeras productoras que fueron a trabajar allí? Ellos son el primer contacto, quienes crean la obra. Al final de la historia, no son precisamente los que se llevan el botín, así que es complicado para ellos implicarse en la situación porque no son una ONG. A quien les debería dar vergüenza es al gobierno indio. Si se enfurecen al comprovar la imagen que proyecta la película, hasta el punto de acusarla de hacer apología de "pornografía de la pobreza". Ellos deberían ser los responsables.

INICIATIVAS SOLIDARIAS

Pero no todos son tan malos, hay quienes ven la oportunidad de inciar una campaña solidaria para la ayuda de la erradicación de la pobreza en la India. El pasado 24 de marzo (recordar que la película se estrenó en España en febrero) Filmax y una unión de más de 120 cines de toda España deciden dar toda la recaudación de taquilla de ese día a dos asociaciones solidarias: Plan España y Sonrisas de Bombay. A pesar que muchos ya habían visto la película, era una buena excusa para que repitieran y fueran aquellos que se la habían perdido. No he podido dar con la cifra exacta aunque hay pistas de lo que podría haber sido: el primer fin de semana de marzo, la película recauda 1,7 millones de euros. 20 días después, y teniendo en cuenta la promoción y la sensibilidad de la gente, bien podrían haber recaudado entre medio millón y 1 millón de euros. Y eso fue a parar íntegramente a las ONG. Un bonito detalle. Pero sin duda una buena promoción de los cines y una brillante estrategia de marketing de Filmax.

LA REALIDAD PERSISTE, AUNQUE CON BROTES VERDES

El 14 de mayo se puede leer en El País la noticia de que las autoridades locales de Bombay ordenó derribar parte de 50 alojamientos construidos de forma ilegal donde vivían, entre muchos otros, cerca de 20 niños que actuaron en la película. Como se ve, el gobierno sigue en sus trece y se dedica a lo suyo. Únicamente les prometió un apartamento a las familias del niño y la niña protagonistas, aunque por aquella fecha todavía estaban esperando.

En julio, El País anuncia que Rubina Ali, la niña pequeña protagonista, cuenta su vida en las chabolas lanzando un libro biográfico con la ayuda de dos periodistas. Poco a poco ya se van viendo brotes reales de cómo un producto ideado desde la cultura y manufacturado desde el comercio, puede llegar a movilizar a la gente para obtener recursos en la ayuda contra la pobreza. Gracias a su libro El sueño de Rubina, la niña y su familia (quienes todavía no han obtenido el piso prometido por las autoridades), recibieron un anticipo de 10.000 euros y la promesa de recibir el 10% de las ventas planetarias, lo cual debe ser bastante. Antes del libro, Rubina seguía viviendo en la chabola pero su vida había cambiado ya que ahora podía estudiar gracias al patrocinio del propio Danny Boyle, director de la película.

El mejor artículo lo escribe ABC el pasado 7 de julio. En él se comenta la nueva situación del joven actor Azharuddin Ismail. Al parecer Ismail y su familia pudieron mudarse a un piso de 25 metros cuadrados (lo cual en India es todo un palacio) en una zona acomodada de Bombay. También se hace referencia al Fondo Jai Ho, creado por los productores de "Slumdog Millionaire" para financiar la educación de los niños, quien desembolsó algo más de 30.000 euros por la vivienda. El propio director Boyle anunció la adquisición de la casa así como la de otros 20 niños que aparecían en la película.

DEFINITIVAMENTE parece que detrás de tanto dinero, éxito y glamour hay signos de solidaridad. Lo malo es que hay que indagar bien profundo para encontrarlos. No hacerse eco de la propia solidaridad frente al más pobre honra a quien ayuda, pues lo hace anónimamente y sin exigir publicidad ni elogios a cambio. Pero el anonimato en exceso, en este caso, tampoco es bueno porque, de esa manera, se priva a la sociedad de concienciarse acerca de la pobreza en el tercer mundo, en concreto en la India. Complicado dilema moral. Estaba claro que, aquellos que viajaron a la India a rodar la película, aquellos que conocieron a esos niños, a esas familias, no podían permanecer impasibles a su vuelta al mundo occidental. El contacto les marcaría de ahí en adelante.